Hur man regisserar en film (med bilder)

2024 Författare: Robert Blare | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 08:04

Att göra en film kan vara något du gör för skojs skull med vänner, eller som något du är helt seriös om. Hur som helst, det är en process som tar lite tid, mellan att välja ett manus, casta dina skådespelare och spela in den verkliga filmen, men när du väl har fått ner grunderna är du klar att gå. Se steg 1 för att komma igång med regeringsprocessen.

Steg

Del 1 av 4: Förberedelser för filmning

Steg 1. Välj ett skript

Ett bra manus kan få även en medioker regissör att se bra ut, så välj klokt. Du kan också skriva ett manus själv, om det är något du tycker om och är bra på. När du skriver eller väljer ett manus finns det några saker att tänka på som kan hjälpa dig att välja det bästa skriptet.

Struktur är nyckeln till en bra historia. Tre-aktstrukturen är en enhet som vanligtvis används för manusförfattare att komma med en bra historia. Det fungerar så här: uppläggning (akt 1), konfrontation (akt 2), upplösning (akt 3). Viktiga vändpunkter sker i slutet av akt 1 och akt 2.
Ett bra manus visar snarare än berättar. Du vill att din publik ska gissa vad som händer baserat på skådespelarnas kroppsspråk, vad de har på sig, vad de gör och hur de säger raderna. Manus är till sin natur extremt visuella.
Varje scen måste ledas av en slug line, som berättar om scenen är inre eller yttre, om det är natt eller dag och var det är. (Till exempel: INT. Vardagsrum - NATT.)
När du beskriver handling är allt du beskriver det faktiska, fakta om vad som kommer att synas på skärmen. Till exempel, istället för att säga "John går in i vardagsrummet. Han är arg för att hans flickvän lämnade honom", skulle du säga "John kommer in i vardagsrummet. Han slår igen dörren bakom honom och sparkar i soffan."

Steg 2. Storyboard ditt manus

Storyboarding är otroligt viktigt så att du vet hur du bäst riktar varje scen, vilka kameravinklar du vill ha, hur du vill att den ska se ut. Du behöver inte hålla dig till storyboard när du skjuter, men det ger dig en plats att börja.

Saker du kommer att täcka är: vilka tecken som finns i varje bildruta, hur lång tid som har gått mellan nuvarande bildruta och föregående bildruta, där kameran är i ramen (hur bilden ser ut).
Din storyboard behöver inte vara perfekt. Det behöver helt enkelt ge dig en känsla av manuset och hur manuset ska skjutas.
Bestäm vilken ton för din film. En grym film om en privatdetektiv på 1920-talet kommer att få en helt annan känsla än en lättsam komedi om farligheterna i föräldraskap. Ett bra sätt att få din film att misslyckas är att byta ton halvvägs, så att den lättsamma komedin plötsligt blir en tragedi utan förvarning. Det betyder inte att en komedi inte kan ha inslag av tragedi, eller tvärtom, men din film, särskilt om du är ny på att regissera, bör hålla sig till en ton.

Steg 3. Få finansiering för din film

Du kan inte göra en film utan någon form av finansiering, särskilt om du vill att det ska vara en film som andra än din familj tittar på. Filmutrustning kostar pengar, du behöver rekvisita, platser, skådespelare och tekniker. De flesta av dessa saker kostar pengar.

Om du går indiefilmvägen, bör du fortfarande försöka hitta en producent för din film, någon som kommer att ta reda på finansiering och få dig att filma platser

Steg 4. Skådespelare för varje roll

Om du har låg finansiering måste du förmodligen göra gjutningen själv, men annars är det en bra idé att anlita en gjutdirektör för att göra det jobbet. Vanligtvis har en casting -regissör tillgång till fler vägar för att hitta lämpliga skådespelare för din film.

Du vill ha människor som har varit med i andra filmer och förstår hur det fungerar. Teaterskådespelare är inte bra för detta, eftersom skådespeleri på teater och skådespeleri är otroligt annorlunda.
Det finns bra och kommande skådespelare som inte är för dyra. Det du letar efter är karisma och talang. Detta innebär vanligtvis att inte bara casta dina vänner i rollerna (om du inte bara regisserar en film för skojs skull, i så fall, ha det).

Steg 5. Hitta platser, rekvisita och material

Filmer kräver platser (ett sovrum, ett vardagsrum, ett gathörn, en trädgård, etc) för att filma. Ibland kan du filma gratis på dessa platser och ibland måste du betala. På samma sätt behöver du rekvisita, kostymer, smink och material för filmning (en mike, kameror, etc.).

Om du har en producent är detta vad de kommer att göra. Se till att du har allt du behöver och tillåtelse att filma på vissa platser. Annars måste du göra det själv.
Om du har en riktigt låg budget, prata med vänner och familj. Kanske känner du någon som är duktig på att sminka sig för dig, eller kanske har din moster en massa periodkläder uppe på vinden.

Steg 6. Planera på lämpligt sätt

Om du inte har en tydlig vision och planerar för hur du ska filma, hur det kommer att se ut, kommer det att bli en svår filmprocess. Du måste ha detaljerna beskrivna och du måste veta alla saker att göra som gör en filmprocess framgångsrik.

Skapa en skottlista. Detta är i princip en numrerad lista över alla bilder i filmen som beskriver inramningen, brännvidden, kamerarörelsen och saker du måste tänka på (som eventuella problem med filmning). Du kan också fördubbla detta med storyboard, vad som fungerar bäst för dig.
Skapa en skriptuppdelning. Detta är i princip processen där du identifierar varje enskilt objekt som behövs för att spela in filmen, inklusive plats, rekvisita, eventuella effekter, etc. Återigen blir det lättare om du har en producent som hjälper dig med detta.
Teknisk scout med alla dina tekniska människor. Det betyder att du går över till filmplatserna och går igenom varje bild med dina tekniker så att alla vet exakt vad de kan förvänta sig för varje film. Du kan diskutera problem som kan uppstå (saker som specifik belysning, ljudproblem etc.).

Steg 7. Schemalägg bilderna

Om du kan få en bra första AD (assisterande regissör) vill du. De är den som skriker åt skådespelarna om det behövs och som gör saker som, tar ner alla anteckningar under tech -scouten och som schemalägger alla skott.

Schemaläggning av bilderna betyder i grunden att man ställer in schemat för när bilderna ska spelas in. Detta är nästan aldrig i kronologisk ordning, men har oftast mer att göra med belysning eller kamerainställningar

Del 2 av 4: Arbeta med skådespelarna

Steg 1. Öva manuset innan du skjuter

Detta verkar vara ett mycket uppenbart steg, men det är verkligen viktigt. När du kommer till själva filmdelen vill du att skådespelarna ska vara bekväma med sina repliker och deras blockering.

Börja med att genomföra ett manus, där du och dina skådespelare sitter runt ett bord och springer igenom varje scen. De kommer att bli bekvämare med orden och med dig och med varandra, vilket kommer att göra inspelningen mycket enklare.
Riktigt begåvade skådespelare behöver inte nödvändigtvis mycket repetitioner innan de skjuter och det kan vara bättre att inte öva över känslosamma scener så att de blir färska för själva inspelningen, men det fungerar bara med erfarna och begåvade skådespelare, så om du arbetar med amatörskådespelare, det är en bra idé att öva manuset innan fotografering.

Steg 2. Se till att skådespelarna har lärt sig sina rader

En skådespelare kan inte ge en fantastisk prestation utan att kunna sitt manus bakåt och framåt. Du vill inte att de plötsligt dyker upp på skjutdagen utan att ha lärt sig sina rader. Det är därför repetitioner är så viktiga.

Steg 3. Förklara undertexten i varje scen

Detta betyder vad som pågår i scenen bortom bara dialogen. Det kommer också att berätta för en skådespelare vad hans eller hennes karaktärs sanna avsikter är, i scenen och i filmen, som avgör hur du regisserar dem.

Less is more i skådespeleri i en film. Det du vill ha för dina skådespelare är en stark närvaro som visar även när de inte gör någonting. En skådespelare som kan dra in tittarna i karaktären utan att göra så mycket.
Till exempel: John, vår arga huvudperson uppifrån, kommer att spelas annorlunda beroende på om han hatar sin flickvän för att lämna honom, eller om han fortfarande är kär i henne (eller båda).

Steg 4. Var lugn, fokuserad och tydlig

Klyschan hos den arga, skrikande regissören är just det, en klyscha. Som regissör är du ansvarig (om du inte har en producent) vilket innebär att alla kommer att se till dig för att få en lugn och tydlig riktning.

Det är därför storyboard och manusfördelning är så viktiga. Du kan hänvisa till dem för varje scen och för att visa din vision för dem som arbetar för dig.
Kom ihåg att en film görs baserad på bidrag från många olika människor, även om regissören och skådespelarna får det mesta av äran. Det är bäst att inte bete sig som om du är det viktigaste på uppsättningen, när du har att göra med din cast och besättning.
Du får en bättre upplevelse av att regissera filmen om du är snäll och respektfull för alla som arbetar med den.

Steg 5. Ge specifika instruktioner

Detta är för skådespelarna. Om du har förklarat subtexten för dina skådespelare och din vision för filmen borde det inte vara för mycket problem med att de gör vad de behöver göra i sina scener, men det är viktigt att du ger specifika instruktioner, även sådana som "försök den linjen snabbare igen."

Ta rikliga anteckningar. På din skottlista skriver du ner specifika kamerakritiska saker du kommer att vilja att dina skådespelare ska göra. Ju tydligare och mer detaljerad du kan vara i din feedback och dina önskemål, desto lättare blir det för skådespelarna och besättningen att följa upp din vision.
Ge negativ eller detaljerad feedback till aktörer privat. Du kan till och med göra detta när andra människor är i närheten, bara så länge som bara skådespelaren som får feedbacken hör den. På så sätt blir ingen generad eller kränkt.
Se till att ge positiv feedback. Skådespelare gillar att veta att deras arbete uppskattas och att de gör rätt. Se till att du låter dem veta det, även om det är något så enkelt som "Jag gillade verkligen det du gjorde i den senaste scenen; låt oss prova det när vi filmar bilden."
Ibland, om du har en riktigt bra skådespelare, är det bäst att låta dem göra sina egna saker utan en hel del riktning. Även om det kanske inte alltid går i den riktning du hade planerat, har scener och filmen i sig en möjlighet att gå i en ny och fräsch riktning.

Del 3 av 4: Filminspelning

Steg 1. Känn till de olika typerna av bilder och kameravinklar

När du regisserar kommer du att behöva känna till de olika typerna av bilder och kameravinklar och kamerarörelser så att du vet hur du fotograferar varje scen och vad du försöker få från varje scen. Olika vinklar och typer av bilder ändrar känslan av en scen.

Inramning (eller skottlängd): extremt långskott (vanligtvis ett etablerande skott, från så mycket som en kvarts mil bort), långskott (detta är ett skott av "livsstorlek" som överensstämmer med avståndet mellan publik och skärm på en biograf; det fokuserar på karaktärerna och bakgrundsbilderna), medium shot (detta används vanligtvis för dialogscener eller en närbild på en viss handling och innehåller vanligtvis 2 till 3 tecken från midjan och upp), närbild (detta skott koncentreras på ett ansikte eller föremål med bakgrunden som en suddighet, vanligtvis används för att komma in i en karaktär), extrem närbild (fokuserar vanligtvis på en specifik detalj som en mun eller ögon, vanligtvis används för någon form av dramatisk effekt).
Kameravinkel anger förhållandet mellan kameran och det som skjuts och ger känslomässig information till publiken om objektet eller karaktären i bilden. Fågelperspektiv (visar en scen direkt från luften, sätter publiken i en gudliknande position, samt gör normala saker oigenkännliga), hög vinkel (detta har kameran ovanför åtgärden med en kran och ger en slags översikt över vad som händer), ögonhöjd (detta är en mer neutral vinkel med kameran som fungerar som en annan människa som observerar scenen), låg vinkel (tenderar att få publiken att känna en känsla av maktlöshet eller förvirring och när den tittar upp på en objekt det kan inspirera rädsla eller desorientering), sned/kantad vinkel (används i många skräckfilmer, detta skott inspirerar en känsla av obalans, övergång och instabilitet).
Kamerarörelser gör att handlingen verkar långsammare snarare än snabba skärningar, men den kan också ha en mer "realistisk" effekt. Panorer (skannar en scen horisontellt), lutar (scannar en scen vertikalt), dolly shots (även kända som tracking/trucking shots, där kameran följer åtgärden på ett rörligt fordon av något slag), handhållna bilder (Steadicam-kameran gör det så att de handhållna bilderna blir mindre ryckiga, samtidigt som de skapar en känsla av omedelbarhet och realism), kranbilder (det här är mer eller mindre ett jävligt skott i luften), zoomobjektiv (detta ändrar bildens förstoring, ändrar publikens position antingen långsamt eller snabbt), antennskott (ett skott som liknar kranskottet, men hämtat från en helikopter och vanligtvis används som ett etableringsskott i början av filmen).

Steg 2. Kom in vid samtalstid

Detta är i princip när besättningen kommer in för att ställa in allt. Om du har en assisterande regissör är det verkligen inte nödvändigt att du är där, men det är en bra idé att visa ändå. Du kan börja tänka på bilderna för dagen och överväga hur du bäst gör dem och om du behöver ändra något.

Steg 3. Repetera skottet

Innan du börjar skjuta skottet och medan ditt tekniska team konfigurerar utrustningen, kör skådespelarna genom skottet och ta reda på vad de ska göra i förhållande till kameran (var de kommer att stå, vilken typ av bilder du kommer att använda, hur de kommer att säga sina rader).

Experimentera med sökaren för att testa hur de olika bilderna kommer att se ut. Vid denna tidpunkt kanske du vill ändra och omdefiniera några av dina scener och bilder för att få bästa möjliga scen

Steg 4. Ställ in bilden

För varje bild måste du veta brännvidden, kamerans placering, skådespelarnas märken (var de behöver stå osv), vilka objektiv som ska användas och kamerans rörelse. Du kommer att ställa in bilden med hjälp av alla dessa olika överväganden med din filmfotograf.

Nu, beroende på vilken typ av regissör du är och vilken typ av filmfotograf du har (kanske är det du som bestämmer om bilderna) måste du ge mer eller mindre riktning. Diskutera med dem belysningen och kameran tills bilden är klar att tas

Steg 5. Filma bilden

Inspelningen tar inte så lång tid och det brukar vara en kort scen som spelas in. Du springer genom scenen med kamerarörelsen och placeringen etc. som du redan hade täckt med din filmfotograf. När du ringer cut är du redo att gå vidare med att titta över upplägget för att se hur det gick.

Steg 6. Granska upplägget

Genom att granska uppfattningen om videomonitorn direkt kan du överväga hur du gör scenen bättre, hur nära scenen kommer till din ursprungliga idé. Sedan upprepar du scenen tills den håller i din granskning.

Detta skiljer sig mycket från att granska tagningar i redigeringsrummet senare. Där har du tid, tydlighet och perspektiv att se varenda sak du kunde ha gjort för att göra den scenen bättre

Del 4 av 4: Efterbehandling

Steg 1. Redigera filmen

Det du försöker göra just nu är att sätta ihop filmredigeringarna på ett sätt som är smidigt, smidigt och sammanhängande. Som en allmän regel vill du minska på action, så att det inte blir så mycket av icke-action som tråkigt för publiken. Det betyder att du skär från ett skott till ett annat till höger när handlingen utförs (som John som öppnar dörren till vardagsrummet). Du går med i skotten med den första delen av Johns rörelse i bredbilden och den andra delen i ett hårdare skott.

Att klippa på tvärramsrörelser är typiskt ett avslöjande skott. Till exempel, mediumskott på två män som pratar, en man rör sig och avslöjar närbild på skurkens ansikte.
Klipp till en tom ram, där motivet kommer in. Detta används till exempel ofta när någon kliver ur en bil, där du bara ser foten. Foten rör sig in i den tomma ramen.
Kom ihåg att när du skär ut tar det cirka 2 filmramar (motsvarande ungefär 1/12 av en sekund) för publikens ögon att byta från ena sidan av skärmen till den andra.
Om du är ny på filmredigering finns det massor av gratis redigeringsprogram och resurser du kan hitta online.

Steg 2. Gör musikkompositionen

För ditt soundtrack vill du se till att det fungerar bra med filmen. Det finns inget värre än en poäng som inte passar med tonen och utseendet på en film. När du diskuterar musikkompositionen med din kompositör, prata om saker som musikstil, instrumentation, musikhastighet, musiktecken, etc. En musikkompositör måste känna till din vision för att filmen ska göra en lämplig not.

Lyssna på demospåren som en kompositör ger dig, så kan du hålla reda på hur det kommer där och där det måste göras ändringar.
Om du gör musiken själv måste du se till att du inte stjäl upphovsrättsskyddat musik till din film, eftersom du kan få problem för det. Många gånger kan du hitta kompositörer billigt i din stad eller stad. Det kommer inte att vara på professionell nivå (men då är din film förmodligen inte heller), men det kan fortfarande få det att låta bra.
Det är skillnad på soundtrack och partitur. Ljudspåret är tidigare inspelad musik som passar en scen eller sekvens genom innehåll, rytm och humör. Score är musik som specifikt följer vissa bilder eller motiv i en film (som "hajtema" i Jaws).
Om du har en stram budget kan du hitta royaltyfri musik online att använda i din film.

Steg 3. Lägg till ljudblandningen

Detta innebär att se till att ljudspåret passar den färdiga och redigerade filmen. Det betyder också att man går in och lägger till ljud som måste läggas till, eller att förstärka ljud som redan finns på plats. Du kan redigera ut ljud som inte borde finnas där (som ett plan som går över huvudet) eller redigera i ljud som borde.

Diegetiskt ljud innebär att ett ljud hörs av något som publiken kan se på bilden eller bilden. Även om detta vanligtvis kommer att fångas upp när du filmar, förbättras det nästan alltid senare, liksom att lägga till saker som omgivande ljud (utomhus) och rumston (inomhus) för att täcka över saker som ett plan som går över huvudet, men för att göra bakgrundsljudet är inte helt tyst.
Icke-diegetiskt ljud innebär att ett ljud kommer utifrån bilden, som i en voice-over eller musikmusiken.

Steg 4. Visa din färdiga film

Nu när du har spelat in din film och redigerat den och lagt till alla olika ljud är du redo att visa upp den. Ibland innebär det att samla några vänner och familj och visa ditt hårda arbete, men du kan också oftast hitta andra vägar, särskilt om det här är något som är viktigt för dig.

Många städer och stater har filmfestivaler som du kan gå in på. Beroende på filmens kvalitet kan den till och med vinna, men åtminstone en bredare publik än din familj och vänner kommer att se den.
Om du har en producent är det vanligtvis något som de har arbetat med och vanligtvis har du inte fått grönt ljus på ditt projekt om det inte fanns någon form av distribution planerad efter att det var klart.

Tips

Var bestämd när du korrigerar aktörer, men var inte snål. Du behöver dina skådespelare att respektera dig.
Att ta skådespelarkurser är ett bra sätt för regissörer att lära sig ins och outs av att vara skådespelare och kommer att göra det mycket lättare att regissera dem, eftersom du känner till metoderna och terminologin som de kanske arbetar med.
Om du verkligen menar allvar med att vara regissör bör du studera filmer som du älskar för att se hur filmen spelades in och hur skådespelarna regisserades. Du bör läsa manus och böcker om film som Grammar of Film Language.
Låt skådespelarna komma med förslag men var ändå fasta, eftersom det här är din filmproduktion.
Var inte rädd för att ändra manuset om du inte gillar det - det är trots allt din film. Vara kreativ!

Varningar

Om dina skådespelare inte trivs med dig har du ingen bra upplevelse eller en bra film.
Du kommer inte att göra någon Blockbuster första gången du regisserar en film. Om du är seriös med det (och inte bara har kul, vilket är helt okej!) Måste du jobba hårt och förmodligen gå på filmskola.