4 sätt att skriva, regissera och redigera din egen film

2024 Författare: Robert Blare | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 08:04

Har du någonsin velat göra din egen film? Att skriva, regissera och lära sig att redigera din egen film är ett skrämmande förslag, men det ger dig ultimat kreativ kontroll över ditt skapande. Du bör vara redo att lägga ner mycket arbete bara för att få din film gjord, men du bör också vara redo att ha mycket roligt. Så ta några vänner, runda ihop en kamera och gör dig redo att rulla- Hollywood ringer.

Steg

Metod 1 av 4: Skriva din film

Steg 1. Kom på en idé

Om du inte har en fantasi som är lika stor som Oceanien kommer detta att vara den svåraste delen. Att komma på idén till din film behöver dock inte vara en intensiv uppgörelse med den konstnärliga musan. Försök att få en bra mening, som den du läste i en filmbeskrivning, för att basera din film. Vad är konflikten, karaktären eller historien du vill berätta? Tänk på några saker när du planerar:

• Mindre är bättre - om du skjuter detta själv måste varje extra karaktär, plats och specialeffekt finansieras och räkna ut någon gång.
• Vilken genre siktar du på? Komedi? Sci-fi? Drama? När du väl känner till din genre kan du börja tänka på tomter och karaktärer som passar den.
• Vad är filmkombinationer som du inte har sett? Även om det verkar barnsligt är nästan alla filmer och TV hybrider av andra filmer, TV och genrer. Till exempel är Twilight Vampire + Romance Novel. Har du sett en bra komisk western? Vad sägs om en stoner sci-fi? Hur kan du matcha dina intressen på oväntade sätt?
• Var har du erfarenhet? Kan du kommentera kontorsarbetarens vardag på ett originellt sätt? Vet du mer om skivgolf än någon annan? Finns det någon film i dessa erfarenheter någonstans?
• Slå upp "log-lines" efter dina favoritfilmer för inspiration. Dessa är liknande en meningsöversikt av filmer som används för att sälja manuset till filmchefer. Du kan söka tusentals av dem online.

Steg 2. Uppfinna dina karaktärer

Karaktärer driver berättelser. Nästan alla filmer är resultatet av en karaktär som vill ha något men inte kan få det. Filmen visar sedan prövningarna och svårigheterna hos karaktären (erna) när de försöker uppfylla sina önskningar (skaffa tjejen, rädda världen, examen college, etc.) Publiken relaterar till karaktären, inte din film, så du behöver för att se till att du har genomtänkta karaktärer innan du börjar. Bra karaktärer:

• Är runda.

  Det betyder att de har flera aspekter, inte bara en "arg man" eller "stark hjältinna". Runda karaktärer har styrkor och svagheter, vilket gör dem relaterade till publiken.

• Har önskningar och rädslor.

  Även om det bara finns en av varje, vill en bra karaktär något men kan inte få det. Det är deras förmåga eller oförmåga att komma över sin rädsla (för att vara fattig, för att vara ensam, för rymden utomjordingar, för spindlar etc.) som driver deras konflikt.

• Ha agentur.

  En bra karaktär piskas inte runt eftersom ditt manus behöver dem för att gå någonstans. En bra karaktär gör val som driver fram handlingen. Ibland är detta bara ett val som driver allt annat (Llewellyn, No Country for Old Men), ibland är det en serie bra/dåliga val i varje scen (American Hustle).

Steg 3. Rita upp de viktigaste intrångspunkterna i din film

Vissa människor tycker om att komma med karaktärer och en premiss och sedan börja skriva. Alla manusförfattare ser dock värdet av 5-punktsplottet, där fem viktiga, eskalerande ögonblick utgör filmen. Nästan varenda film som görs följer denna allmänna struktur, från Jurassic Park och Just Friends, till Jupiter Ascending. ' Detta betyder inte att ditt manus måste följa den här mallen, men det finns en metod för galenskapen. Det finns fem stora ögonblick i varje film som faller på exakt samma plats, och du behöver en bra anledning att avvika från detta system om du vill vara "original:"

• Upplägget:

  Vilka är dina karaktärer, var bor de och vad vill de ha? Detta är de första 10% eller mindre av din film.

• Förändringen av planer/möjlighet/konflikt:

  Det händer något som sätter igång din konflikt - Erin Brockovich får ett jobb, Superbadskolan håller en fest, Neo introduceras för The Matrix, etc. Detta är ungefär 1/3 av ditt manus.

• Point of No Return:

  Fram till denna tid arbetar karaktärerna hårt för att göra sina mål till verklighet. Men halvvägs i filmen händer något som gör det omöjligt att vända tillbaka. En Bond -skurk attackerar igen, Gladiator anländer till Rom, Thelma och Louise rånar sin första butik osv.

• Den stora motgången:

  Sedan ingen återvändo har insatserna blivit högre. För karaktärerna och publiken verkar allt hopp ha gått förlorat. Det är när flickan och killen bryter upp i varje romantisk komedi som någonsin gjorts, när Ron Burgundy får sparken i Anchorman och när John McClane blir misshandlad och blodig i Die Hard. Detta kommer till 75% av din berättelse.

• Klimaxet:

  Karaktärerna gör en sista, heltäckande push för att nå sina mål, som kulminerar i deras största utmaning av alla. Detta är körningen genom flygplatsens ögonblick, de sista hålen i Caddyshack, eller uppgörelsen mellan hjälte och skurk. När det är löst knyter de sista 10% av manuset upp lösa ändar och visar efterdyningarna av klimaxen.

Steg 4. Skriv ditt manus

Om du producerar filmen själv kan du använda valfritt skrivformat. Men manusskrivarprogram som Celtx, Writer Duets och Final Draft hjälper dig att få formatering i studiokvalitet tillsammans med verktyg som är specifika för manusförfattare. Dessa program formateras automatiskt för dig och är ett bra sätt att veta längden på din film-1 sida med formaterat skript motsvarar ungefär 1 minut skärmtid.

• Ge dig själv några anteckningar om saker som miljö, landskap och skådespelare, men fokusera främst på dialogen. Du kommer att fatta de andra besluten senare, när du har kameror, skådespelare och platser.
• Förbered dig också på omskrivningar. Det är nästan omöjligt att få alla dina ögonblick - karaktärer, tomter, teman, skämt, etc. - direkt i den första genomgången. När du är klar återgår du till skriptet och försöker läsa det objektivt. Skulle du titta på den här filmen?

Steg 5. Läs en tabell för att förbättra ditt skrivande

Bordsläsningar är viktiga för att finslipa ett bra manus och förbereda sig för filmning. Ta ihop ett par vänner eller skådespelare och ge dem ett manus 2-3 dagar i förväg. Bjud sedan in dem och gör en torrkörning av hela filmen, låt dem tala ut delarna medan du eller någon annan berättar handlingarna. Anteckna alla rader som låter onaturliga eller besvärliga, där en scen blir kort och hur lång tid manuset tar att läsa.

• Fråga skådespelarna/vännerna vad de tyckte. Var blev de förvirrade, vad älskade de? Fråga dem om de kände att deras karaktär var genomtänkt och konsekvent.
• Försök att inte spela en roll och bara lyssna. Hör du din film vakna till liv? Låter det som du hoppades att det skulle? Du vill höra dessa ögonblick nu, inte när kamerorna slås på.

Metod 2 av 4: Förberedelse för produktion

Steg 1. Gör en lista över all din utrustning och utrustningsbehov

Att göra en film kräver mycket utrustning, inklusive kameror, mikrofoner och lampor. Gör en snabb inventering av vad du har för utrustning och hitta sedan sätt att fylla i hålen:

• Kameror:

  Naturligtvis kan du aldrig filma en film utan en kamera. För de flesta filmer behöver du minst 2 kameror, och helst 3. Som sagt, moderna kameraframsteg har gjort det möjligt att filma en film med en iPhone 6, så du behöver inte släppa stora pengar längre. Det viktigaste för en professionell film är att ha kameror som fotograferar i samma format (till exempel 1080i), annars kommer videokvaliteten att förändras subtilt för varje snitt. Om du har en budget kan du oftast komma undan med att använda telefonen eller en vanlig DSLR -kamera.

• Mikrofoner:

  Om du är i en krångel, spendera dina pengar på ljudutrustning: publik har visat sig märka dåligt ljud före dålig video. Medan du kan använda de medföljande kameramikrofonerna om du måste, är en Tascam- eller hagelgevärsmikrofon alltid en värdefull investering.

• Belysning:

  Om du kan få en bli bra 3-5-delars belysningssats, använd den. Dessa lampor har en mängd funktioner och inställningar som hjälper dig att tända alla tänkbara situationer. 5-10 billiga klämlampor och förlängningssladdar har dock tänt många indiefilmer. Allt du behöver är lampor och olika glödlampor (volfram, frostat, LED, etc.) för att anpassa din scen.

• Viktiga tillbehör:

  Beroende på film behöver du minneskort, en säkerhetskopia av hårddisk, stativ, ljusreflektorer, förlängningssladdar, svart tejp (för att täcka eller tejpa ned trådar) och datorvideoredigeringsprogram.

Steg 2. Gör en storyboard för varje scen

Storyboards ser lite ut som grova serietidningar - du ritar det allmänna skottet och lägger sedan till dialogen som måste sägas under. Du kan enkelt ladda ner mallar online och sedan dra in dem innan en inspelning. Storyboards är som checklistor medan du filmar och hjälper dig att fånga varje bild du behöver så att du inte inser att du plötsligt missar något när du redigerar.

• Varje ram du ritar blir din skottlista - en detaljerad bok fylld med varje kameravinkel du behöver fånga för att berätta din historia. När din storyboard är klar kopierar du den och lägger den i ett bindemedel för senare referens.
• Anteckna snitt och övergångar och viktiga ljudeffekter. Dessa teckningar behöver inte vara konst, de måste berätta historien om din film visuellt.
• Dessa kan kännas tråkiga, men de kommer att spara tid på setet, vilket snabbt blir dyrt.

Steg 3. Hitta dina uppsättningar och platser

Det finns många tankar om att välja uppsättningar, och ingen av dem har fel. Du kan bygga dina egna uppsättningar för ultimat kreativ kontroll, men det tar tid och mycket pengar. Du kan också skjuta i hus och platser som du har lätt åtkomst till, till exempel din väns hus eller bakgård. Alternativt kan du hyra ut platser som du älskar och få rättigheterna att filma på en skola, ett hotell eller en park. Oavsett vad du gör, se till att din uppsättning passar din film och låter dig och ditt besättning ta över platsen i flera timmar, ostört.

Steg 4. Använd din storyboard och utrustningslista för att göra din budget

Det här kan vara det ögonblick varje filmare hatar mest, men du behöver en realistisk uppfattning om filmens kostnad innan du börjar spela in. Du vill till exempel inte komma halvvägs genom att skjuta och inse att du inte har råd att hyra en bil för klimatsjakten längre. Håll din budget enkel och realistisk. Behöver du verkligen 10 propeller, eller kan du göra med 2? Kan du eliminera eller ändra en scen med 100 extrafunktioner för att ha 10? Du behöver budget för:

• Utrustning som du inte äger för närvarande.
• Rekvisita, kostymer och platser (som att hyra ut en balsal eller restaurang).
• Besättning och skådespelaravgifter. Det är möjligt att få besättningar och skådespelare gratis, men det är sällan man får folk att hjälpa till i mer än 1-2 dagar utan lön. Du kanske kan erbjuda förmåner mot att de hjälper dig på en kortare produktion.
• Mat och transportkostnader för dig, besättningen och skådespelarna.
• Vet att för en "professionell" shoot, med betald besättning och skådespelare, bör du budgetera minst $ 5 000 per dag.

Steg 5. Anställ skådespelare och besättningsmedlemmar

Du har dina karaktärer, din skottlista och nödvändig utrustning - nu behöver du någon för att använda allt. Hur man castar skådespelare är ett personligt val - du kan hålla auditions med hjälp av Craigslist eller tidningsinlägg, besöka lokala teatrar eller engagera dina vänner. När det gäller besättningsmedlemmar finns det en mängd olika tjänster som du måste fylla:

• Director of Photography (DP):

  Förmodligen det viktigaste jobbet, de är ansvariga för kameror och lampor. Medan du regisserar skådespelarna och ger det sista ordet om bilden, hanterar de de tekniska aspekterna av filmen. Du behöver någon som förstår linser, kameror och belysning, även om det bara är en vän som gillar fotografering. Det är väldigt, väldigt svårt att effektivt tända en scen, plats, kameror, titta på skådespelare och ställa in landskapet samtidigt, så skaffa någon som kan ta av dig en del av lasten och låta dig regissera.

• Biträdande direktör (AD): Schemalägger bilderna, ser till att listan över täckningar täcks, filmar små scener om regissören är upptagen. Kan hjälpa budgeten också.

• Kamera- och mikrofonoperatörer:

  Självförklarande, men viktigt. Du kan inte göra en film utan dem.

• Stylist:

  Även om vem som helst kan göra detta, är deras huvudsakliga jobb kontinuitet. Om inte mycket tid går i din film behöver du skådespelarens ansikte och kostymer för att se identiska ut i varje scen, annars kommer publiken att märka förändringarna. Ta bilder varje dag av kostym, smink och scener för att se till att det ser likadant ut.

• Ljudingenjör:

  Lyssna på allt ljud medan det spelas in, se till att det är rätt. De placerar också mikrofonerna för att hämta dialogrutan efter att lamporna har placerats.

• Linjeproducent:

  Kontrollerar platser i förväg, ser till att tillstånd och kontrakt är skrivna och undertecknade.

• Produktionsassistent:

  Alltid användbart, dessa människor gör vad som helst som behöver göras- förbereder mat och kaffe, torkar minneskort och håller till och med en kamera när det behövs. Du kan aldrig ha tillräckligt med besättningsmedlemmar.

Steg 6. Skriv kontrakt

Det spelar ingen roll vem du arbetar med eller vad projektet är - få ett kontrakt undertecknat. Detta skyddar dig i händelse av olyckor, lagligt tvingar människor att se din film till slut och förhindrar rättegångar om filmen hämtas. Du kan söka online efter "Actor Film Contract", "Producer Contract", etc. och skräddarsy det efter dina behov enkelt och fritt, så snåla inte med det här steget.

• Kontrakt är paradoxalt nog ett bra sätt att bevara vänskap. Istället för att argumentera om något senare kan du helt enkelt återgå till det du redan har skriftligt.
• Se till att ha en bestämmelse, särskilt för skådespelare, som kräver att de slutför filmen när de börjar spela in.

Steg 7. Gör ditt inspelningsschema

Realistiskt, om du inte bara har några personer i ditt manus och 1-2 platser kommer du bara att få 5-10 sidor av ditt manus gjort på en bra dag. För stora eller svåra scener får du kanske bara 2-3 sidor. Ju mer tid du kan ägna åt att filma desto bättre, men ju mer tid du spenderar desto mer pengar kommer du att spendera också. Hur du balanserar detta beror på några faktorer:

• Vilka scener utspelar sig alla på samma plats? Kan du filma dem, även om de är ur funktion, samma dag?
• Vilka scener har massiva skottlistor? Att få dessa gjort först kan se till att du får de "stora" scenerna som du vill ha dem.
• Går det att ta några skott om tiden/pengarna är knappa? Lägg dessa sist.
• Detta schema kan, och kommer troligen, att behöva vara flytande. Men ju mer du kan hålla dig till det, desto bättre.

Metod 3 av 4: Filma din film

Steg 1. Förbered allt i förväg

Du bör vara den första på set och den sista som lämnar varje dag. Att filma en film är inte lätt, och du måste anta att allt som kan gå fel gör det. Skådespelare blir sjuka, vädret samarbetar inte och det finns 100 -tal små beslut (belysning, karaktärsplacering, kostymer) som måste tas varje timme. Det enda sättet att få en lyckad inspelning är att göra så mycket arbete du kan innan du ens börjar.

• Granska dagens skottlista. Vad behöver du få, och vad kan du klippa av om du har ont om tid?
• Repetera med skådespelarna. Se till att de känner till deras rader och hur du vill att de ska spelas.
• Granska belysning och kameraval med DP.

Steg 2. Låt alla veta vad som förväntas i början av skjutningen

Ge alla detaljer på ett enkelt sätt direkt uppifrån. Detta är särskilt viktigt för lågbudgetfilmer, eftersom du vanligtvis får lite skådespeleri och arbetar gratis. Låt rollistan och besättningen veta dina mål för dagens inspelning och hur tacksamma de är för ditt stöd.

• Ge ut dagens schema i förväg så att alla är förberedda.
• Låt besättningen veta om specialeffekter eller stämningar du är ute efter och hur de kan hjälpa till att skapa dem.
• Granska ditt fotograferingsförfarande så att alla vet sin roll.

Steg 3. Ställ in scenblockering

Blockering är där skådespelarna är och vart de går. Detta är det första steget till en filmning och det viktigaste - alla lampor, kameror och ljud kan inte placeras förrän efter det är klart. Om scenen är väl repeterad bör detta vara enkelt. Om inte, måste du lägga lite tid på att placera skådespelarna på rätt ställen.

• Håll det så enkelt som möjligt- gå i raka linjer, grundläggande ingångar och utgångar, och mest stilla positioner. Det är inte en pjäs och kamerorna kommer bara att fånga en liten bråkdel av hela scenen. Låt kameran göra rörelsen när det är möjligt, inte skådespelarna.
• Tejp kan placeras på golvet för att berätta för skådespelarna var de ska hamna efter varje skott.
• Du kan ofta förplanera med besättningsmedlemmar eller en detaljerad skottlista för att spara tid. Om blockeringen redan är utskriven blir din fotografering mycket mer produktiv.

Steg 4. Ställ in dina kameror

Det finns oändligt många sätt att placera, flytta och använda dina kameror. Det är därför en skottlista, som i grunden är en lista över dina förutbestämda kamerapositioner, är avgörande för att spara tid och pengar. Av tidens intresse är de tre väsentliga kameravinklarna i en dialogruta:

• Upprätta skott eller mästare:

  Upprättande av bilder innehåller all scenens handling - de talande karaktärerna, uppsättningen och rörelserna. Det är långa, breda bilder som, om något gick fel, du kan använda för att filma hela scenen, eftersom de fångar allt.

• 2-skott (2-kameror):

  En kamera över varje skådespelares axel och pekar på den andra skådespelaren. På så sätt får du titta på varje karaktär när de pratar.

• När du filmar tre eller fler skådespelare, försök att blockera det så att du har 2 tecken i ramen samtidigt - på så sätt behöver du bara en kamera för att fånga deras dialogruta.
• Titta på några av dina favoritfilmer med ett kräsna öga. Hur skulle till exempel en film fånga ett middagsdatum mellan 2 personer? Du kommer att märka dessa tre kameravinklar (en av dem båda + bordet, en av killen, en av tjejen) mer än någon annan uppsättning bilder.

Steg 5. Sätt upp dina lampor

Kom ihåg att det alltid är bättre att ha mer ljus än att ha mindre. Det är lätt att mörkna en bild i efterproduktionen, men det är mycket svårt att göra den ljusare utan att göra avkall på bildkvaliteten. Använd naturligt ljus till din fördel när det är möjligt och framför allt, håll det enkelt. Ditt mål är en fin, gradvis belysning av ljus - djupa, mörka skuggor och väldigt få stora ljuspunkter.

• Sätt din kamera i svartvitt för att se bara ljusheten i bilden. Om det fortfarande är ett intressant skott i svartvitt kommer det att se otroligt ut i färgen.
• En och en halv timme runt soluppgång och solnedgång anses vara den bästa tiden att fota i naturligt ljus. Belysningen är mjuk och jämn, och du kan till och med använda den här tiden för att belysa "nattliga" bilder, som dimmas senare i efterproduktionen.
• Använd "praktik" eller lampor på plats. Har du problem med att få ljuset rätt? Stick en lampa i skottet, eller sätt på taklamporna.

Steg 6. Vet hur man startar en inspelning

Teknikerna för att börja en film kommer att variera från set till set, men de bör inte variera från film till film. Att ha en rutin innan du börjar filma säkerställer att alla är på samma sida, varje gång. När det är möjligt är detta AD: s plikt. En provrutin skulle inkludera:

• "Alla detta är bild, tyst snälla!"
• "Rulle ljud!" Detta är ledtråden för att starta mikrofoner. När det är klart, ropar någon "rullande!"
• "Rulla bild!" Detta är ledtråden för att starta kameror. När det är klart ropar någon, typiskt "Hastighet!"
• Läs av titeln, scenen och nummer, "This is My Movie, Scene 1, Take 2." Om du har en klaffbräda blir det smäll och någon ropar "Marker!"
• 3-5 sekunders tystnad.
• "HANDLING!"

Steg 7. Skjut din täckning när du har den scen du vill ha

Välj några extrema vinklar, intressanta bilder av miljön eller närbilder av karaktärens ansikten, händer eller rekvisita och kör scenen igen. Dessa bilder kan bara pågå i 1-2 sekunder i filmen, men de är viktiga för redigering. Titta på vilken film som helst och lägg märke till hur många små, till synes värdelösa bilder som används för att komma in i scenens värld, visa en känslomässig ryckning eller helt enkelt övergå från scen till scen. Filma dessa bilder när skådespelarna har levererat sina rader till ditt tycke.

Pratar karaktärerna om tårtan på bordet? Då behöver du bara ett skott av tårtan på bordet. Behöver du visa vilken tid det är? Då behöver du ett skott av klockan på väggen

Steg 8. Granska dina bilder varje dag och stryk av din skottlista

Du kan behöva göra några uppoffringar beroende på din budget och tid, men även Hollywood -regissörer tvingas göra detta. Efter varje dag, se till att du har allt du vill och behöver, och korsa det sedan från din skottlista. Du måste veta nu, inte 3 månader senare när du börjar redigera, om något saknas.

Steg 9. Plocka upp B-roll-skott

B-roll är helt enkelt de skott som inte innehåller skådespelare. Det används vanligtvis vid övergångar, öppna eller stänga krediter eller skapa en ny plats. Gå ut med en kamera och du DP och få så många timmars bilder som du kan. Ditt främsta mål är att tänka på filmer som kan komplimentera filmen. Till exempel är B-Roll in Punch-Drunk Love en serie abstrakta, flerfärgade bilder som matchar huvudpersonens förvirrade, ängsliga och förlamade mentala tillstånd. Spionfilmer har vanligtvis många B-Roll underbara stränder, livliga städer och dramatiska landskap. B-roll berättar din historia subtilt och visuellt.

• Du kan aldrig få tillräckligt med B-roll. När du redigerar är detta bindväven som håller ihop dina scener för att göra en legitim film.
• Du kan, och bör, skjuta B-roll före och efter att en scen "slutar", eftersom dessa 2-3 sekunder är ett bra sätt att få publiken långsamt in i scenen.

Steg 10. Säkerhetskopiera dina bilder varje dag

I slutet av fotograferingen, ta dig tid att ta bort dina bilder från minneskort och ladda ner det till en säker hårddisk. Detta lilla steg i slutet av dagen kan spara dig timmar och timmar i det olyckliga fallet att du tappar dina bilder.

• De flesta proffs använder mer än en säkerhetskopia och kopierar alla bilder till minst två källor innan de raderar något på minneskorten.
• Ta dig tid att organisera dina filmer också. Skapa en mapp för dagen du tog och organisera sedan bilderna i den mappen efter scen. Detta kommer att göra fotografering mycket, mycket lättare.

Metod 4 av 4: Redigera din film

Steg 1. Välj rätt redigeringsprogram för din film. Det finns många alternativ att välja mellan när det gäller videoredigeringsprogram (ofta kallat icke-linjärt redigeringsprogram, eller NLE), från gratisprogram som iMovie och Windows Movie Maker till komplexa, professionella kraftverk som Final Cut Pro och Adobe Premier. Vad du väljer att använda är till stor del en personlig preferens och vilken typ av projekt du arbetar med:

• Gratis programvara, som iMovie och Windows Movie Maker, är egentligen bara användbart för små filmer, vanligtvis allt under 20 minuter. De är inte utformade för att hantera många video- och kameravinklar och har ett begränsat antal övergångar och alternativ för effekter.
• Betald programvara är nödvändig för alla blivande filmskapare. Om du använder flera kameror på en scen, behöver smidig text, övergångar eller effekter, eller bara vill ha ett professionellt program, måste du investera i bra programvara. För närvarande är de tre "branschstandard" -programmen Avid, Final Cut X och Adobe Premier, och var och en har en rejäl prislapp, ofta $ 400 eller mer. Du kan dock ofta prenumerera på dessa program för en liten månatlig betalning.

Steg 2. Importera en scen till din videoredigerare

Med en kort film (under 20-30 minuter) kan du sannolikt importera alla filmer samtidigt. Men om du gör en långfilm eller bara arbetar med många kameravinklar, vill du redigera din film i bitar. Importera endast den film du behöver för scenen, liksom alla relevanta B-roll.

Om du har flera kameror på samma scen, använd programmets "Synkronisera" -alternativ för att rada ihop dem alla. Hitta dina program "multi-camera editing mode", vilket gör det enkelt att växla mellan flera bilder samtidigt genom att söka efter "[Your Program] Multi-Cam Edit" online. Detta matchar alla kameror så att du inte behöver spendera timmar för att se till att varje snitt är i tid med det sista skottet

Steg 3. Använd dina första bilder för att ställa in stämningen och temat för scenen

De första bilderna kommer att fastställa fokus för scenen. Du har ett nästan oändligt antal val, men några av de vanligaste är:

• Etableringsskottet:

  Detta är det överlägset vanligaste sättet att starta en scen. Detta skott visar alla huvudaktörer, scenen och platsen på en gång. Detta gör att publiken får en känsla för scenen, och de kan sedan följa med resten av nedskärningarna som kommer.

• Karaktärsfokuserad:

  Oavsett om de säger första raden eller inte, efter huvudpersonen i scenen berättar publiken att det är den personen de behöver vara uppmärksamma på - något kommer att hända dem eller de kommer att få en insikt.

• Ställa in scenen:

  Använd B-roll och bilder av rummet/miljön för att få en känsla av platsen. Detta används i många filmer, särskilt skräck, där en scen kan börja med 5-6 läskiga bilder av ett hemsökt hus i farliga rum.

Steg 4. Bygg upp dialogen kring skådespelarens bästa tagningar

Se om dina filmer och se vilka scener du gillar bäst - där alla träffade sina märken, dialogen kändes naturlig och filmen är tydlig och i fokus. Om du kan hitta ett tag där allt är bra gjort har du tur, och ditt arbete kommer att bli mycket snabbare.

Steg 5. Visa varje karaktär när de levererar sina rader

Denna regel är inte hård och snabb, men du bör nästan alltid börja med den. Därifrån kan du bestämma om det är viktigare att titta på en karaktär som lyssnar eller en karaktär som pratar. Titta på Whiplash eller There Will Be Blood för en bra uppfattning om var scenfokus ska vara i dialogorienterade filmer.

Den bästa karaktären att visa i en scen är vanligtvis en känsla. Vem känner att det behöver vara i fokus för linjen? Ger en skådespelare ett särskilt bra uttryck eller reaktion på något? Vart skulle dina ögon ta vägen om du satt i rummet med skådespelarna?

Steg 6. Fyll i eventuella luckor/misstag från B-roll och andra tagningar

Ibland får du inte ett bra tag, och du måste kombinera mycket film för att få scenen att fungera. Detta är otroligt vanligt, men det ska inte vara svårt om skådespelarna träffar sin blockering korrekt varje gång. Det här är när du lägger till detaljer och färg på scenen. Till exempel kan en karaktär erbjuda någon tårtan på bordet, och du kan klippa till ett skott av kakan. Eller, i en spänd förhörsscen kan du visa de kriminella ansiktet på nära håll, svettiga och oroliga, innan du går tillbaka till nästa rad i dialogrutan.

Det finns inget rätt sätt att redigera en scen, så länge du kommer ihåg att du försöker berätta historien framför allt annat. Låt bilderna tala så mycket som möjligt

Steg 7. Justera scenens timing för att ge den rytm

Redigering handlar om pacing och timing. Du behöver att filmen ska flyta naturligt. Det är därför som redaktörer tänker i termer av enskilda bildrutor-mikrosekundens stillbilder du ser om du pausar skärmen-istället för sekunder. Många redaktörer arbetar med musik av denna anledning, redigerar ramarna så att de passar ett beat eller en låt och ger scenen rytm. Du behöver inte hålla dig till skådespelarnas naturliga rytm på skärmen, och i många fall borde du inte. Att lägga till eller ta bort pauser, även med några tiondels sekund, kan göra en bra prestation till en bra. Till exempel:

• Komiska, actionorienterade eller högenergiska scener har mycket snabb timing. Det finns inte mycket mellanrum mellan raderna, och orden faller nästan över varandra för att komma ut. Detta gör att scenen känns snabb och livlig.
• Spända scener är vanligtvis långsammare. Pauser dras ut, B-roll används tungt och skott hålls länge för att göra betraktaren obekväm. För en mästarklass i långsam redigering, titta på 12 Years a Slave, särskilt den hängande scenen i mitten av filmen.
• Det tar en mänsklig hjärna 3-5 bildrutor för att känna igen en bild. Det betyder att om du försöker vara för snabb med saker kan du bara förvirra publiken.

Steg 8. Lär dig olika typer av nedskärningar för att redigera professionellt

Redigering är konsten att berätta en historia genom nedskärningar. Med andra ord, en film är helt enkelt en serie videor som läggs bakåt, och hur du skär från den ena till den andra är hur publiken uppfattar historien. Därför är hur du beställer klippning från en video till den andra alla "saker" när du redigerar en film. De bästa nedskärningarna är sömlösa och berättar historien utan att publiken inser att vi har hoppat från en scen till den andra.

• Hard Cut- en omedelbar skärning till en annan vinkel, vanligtvis i samma scen. Detta är den vanligaste skärningen i film.
• Smash Cut- Ett abrupt skift till helt annan scen. Detta uppmärksammar nedskärningen, vilket ofta signalerar en överraskning eller ett stort skift i handlingen.
• Jump Cut- En plötslig skärning gjord inom samma scen, ofta av en något annan vinkel. Dessa är sällsynta och visar vanligtvis förvirring eller tidens gång.
• J-Cut- När du hör ljudet från nästa bild innan du ser videon. Detta är ett bra sätt att koppla samman två scener tematiskt, eller ge berättande.
• L-Cut- När du ser videon från nästa bild innan du hör ljudet. Detta är ett bra sätt att visa en karaktär som pratar om något, som ett löfte, sedan gör det (eller bryter det).
• Action Cut- Ett snitt mitt i en handling, som någon som öppnar en dörr, som "döljer" snittet i handlingen. Till exempel kan en karaktär flytta in för en kyss, och när deras huvud korsar skärmen skär du till huvudet som går in i skärmen i en annan vinkel, vanligtvis personen som ska kyssas.

Steg 9. Sy ihop dina scener med B-roll och övergångar

När du väl har gjort dina scener är det dags att börja dra ihop dem. Om du har redigerat alla dina scener som separata filer, importera dem till ett nytt "Master Film" -projekt och sätt dem i ordning. Använd sedan din B-roll, täckningsbilder och övergångar för att få dem att flyta sömlöst tillsammans. Medan du ursprungligen tittade på scentiden, nu tittar du på filmtiming - kan du trimma en scen här och där för att få saker att gå snabbare? Behöver du lite mer B-roll mellan scenerna för att ge publiken tid att reagera på ett dramatiskt ögonblick? Återigen - timing är allt.

• Det här är en bra tid att be en vän att se filmen med dig. Får de allt som händer? Finns det några plotpunkter som går förlorade i blandningen och behöver mer tid? Några som är överförklarade och kan skära bort?
• I allmänhet, ju mer du skär, desto bättre film. Om en scen inte fungerar och det inte tillför något användbart till handlingen, bli av med den.

Steg 10. Korrigera färgen och ljudet på din film för att göra den professionell

När du väl har filmen så bra som den kan är det dags för den långa städningen. De sista och viktigaste stegen för en professionell film är färgkorrigering och ljudblandning. Även om det finns hela böcker skrivna om ämnet, är det bästa rådet att bara se till att allt ser konsekvent ut - scenerna har liknande belysning och färg, och det finns inga fläckar där ljudet är iögonfallande högt eller svårt att höra.

Det finns många studior som, mot en liten avgift, kan betalas för professionell färgkorrigering och ljudblandning. Om du är osäker på hur du gör detta och vill ha en professionell film bör du absolut betala för professionell färgklassificering och ljudblandning

Steg 11. Redigera för att berätta historien, inte för att vara flashig

Det finns många flashiga, kända och stiliserade filmer där ute som verkar vara en bra idé att kopiera. Speciellt Quentin Tarantino och Guy Ritchie har sett sina animerade, kinetiska stilar i filmer som Pulp Fiction och Lock, Stock, & Two Smoking Barrels, tillägnade av unga filmskapare överallt. Vad dessa människor inte inser är att dessa regissörer valde den stilen eftersom den passade filmen. Redigeringen ser enkel ut eftersom den helt enkelt lät historierna (kinetiska, actionorienterade berättelser) ta centrum. Ditt nummer ett jobb när du redigerar är att låta historien berätta sig själv naturligt. Du guidar betraktaren, men tittaren får inte kommentera redigeringen. Den bästa redigeringen är osynlig.

Tips

• Prova att skriva lite musik som passar din film. Det ger det bara den speciella touchen.
• Låt dina skådespelare se över manuset och be dem skriva ner saker som de skulle vilja ha i filmen. Försök att ha dem i en logisk sekvens och se till att de inte är för upprörande för din film.
• Många städer har hallar som kan hyras ut om du behöver en mer rymlig uppsättning.
• Försök att ha kul på uppsättningen eftersom det kommer att göra skådespelet enklare än att vara seriös hela tiden. Du kan till och med ha ett speciellt möte för dig och skådespelarna för att diskutera filmen, karaktärerna, uppsättningarna och kläderna du kommer att ha på dig, och bara ge sina tankar om hur man gör filmen mer intressant.
• Blekningar och upplösningar ser vanligtvis mer professionella ut än andra övergångar, som torkdukar eller vändningar.
• Försök att lägga till dubbningsljud, det ger filmen en speciell touch.

Varningar

• Men var försiktig med detta, eftersom solen som skiner på din rygg kan kasta skuggor i ditt skott.
• Om du filmar utomhus kan solen träffa kameran i en dålig vinkel. Försök att undvika detta genom att skjuta på en grumlig dag, eller rör dig tills solen vetter mot kameramannens rygg.